МАНДОЛИНА
МАРШ.
Композитор Дмитрий Борисович Кабалевский весьма обожает детей. Для них, не считая музыки, он пишет книги. Книги, каковые оказывают помощь осознать музыку, ощутить себя вольно в ее увлекательном мире. Одна из книг Кабалевского именуется «Про трех китов и про очень многое второе». О третьем из китов, на которых, по мысли автора, держится музыка, в книге поведано так:
«Вот физкультурники перед соревнованиями идут по стадиону в легких спортивных костюмах, с огромными развевающимися по ветру флагами — белыми, голубыми, зелеными, красными…
Вот идет по улице воинская часть. Четко держат воины ход. Идут, как один, жёсткой, бодрой походкой… А в первых рядах — украшенный колокольчиками и конскими хвостами — бунчук, что, двигаясь перед глазами музыкантов то вверх, то вниз в такт музыке, заменяет в походе дирижерскую палочку…
А вот очень небольшие дети — дошкольники ходят по большой комнате, вооружившись красными флажками. Вид у них таковой праздничный, словно бы они участвуют в самом «взаправдашнем» первомайском параде. А за пианино сидит их воспитательница…
Вы, само собой разумеется, уже приготовили собственный ответ. Мне кроме того думается, словно бы дружно, по-армейскому четко и стройно, вы на данный момент отчеканите это маленькое и само по себе чеканное слово: марш!»
А через пара страниц Кабалевский продолжает: «… Еще очень небольшие октябрята весьма обожают маршировать под музыку — не меньше, чем песни петь и пляски какие-нибудь отплясывать. А уж о пионерах и сказать нечего — барабан и горн, играющие марш, так же дороги им, как и алый галстук на груди.
С маршами — бодрыми походными, радостными, торжественными, а иногда, увы, печальными, траурными — связаны многие, весьма многие события в жизни каждого человека, в жизни огромных весов людей».
Что же такое марш? Французское marche свидетельствует в переводе — ходьба. В музыке так именуются пьесы, написанные в четком, энергичном ритме, под что комфортно идти в строю. Не смотря на то, что марши отличаются друг от друга мелодией, содержанием и характером, объединяет их одно: марш пишется в любой момент в четном размере — на две либо четыре четверти, дабы идущие не сбивались с ноги. Действительно, бывают редкие исключения из этого правила. Песня А. В. Александрова «Священная война», написанная на стихи В. И. Лебедева-Кумача в начале ВОВ, — трехдольная. Но это — самый настоящий марш — мужественный, жёсткий и грозный. Под его звуки уходили на фронт воины.
Ну, а «настоящих» маршей вы, само собой разумеется, понимаете очень много. И тех, что написаны для перемещения под них, и тех, что входят в большие произведения — оперы, симфонии, оратории, сонаты. Весьма известны марши из оперы Гуно «Фауст», из «Аиды» Верди, марш Черномора из «Людмилы и Руслана» Глинки. Марш звучит в третьей части Шестой симфонии Чайковского и в финале Пятой симфонии Бетховена. Траурными маршами являются медленные части Третьей симфонии Бетховена, его же фортепианной сонаты No 12 соч. 26, фортепианной сонаты си-бемоль минор Шопена. Довольно много маршей видится среди детских пьес для фортепиано. К примеру, в «Детском альбоме» Чайковского имеется и траурный марш — «Марш и» Похороны «куклы древесных солдатиков».
Довольно часто в ритме и характере марша пишутся песни. В той же собственной книге Кабалевский, по аналогии с «королем вальса» Иоганном Штраусом, именует королем маршей Исаака Осиповича Дунаевского и перечисляет написанные им песни-марши: «Марш энтузиастов», «Марш физкультурников», «Марш юннатов», «Весенний марш», «Спортивный марш», «Марш трактористов», «Марш краснофлотцев», «Марш артиллеристов»…
МЕДИАТОР.
В рассказах о струнных щипковых инструментах довольно часто видятся слова плектр и медиатор. Исходя из этого всем необходимо знать, что это такое.
Медиатор — узкая пластиночка из пластмассы, металла либо кости. Ею цепляют струны при игре на мандолине, домре и других аналогичных инструментах. Время от времени медиатор делается в форме незамкнутого кольца и надевается на палец. Таковой медиатор именуют плектром.
| ПЛЕКТР |
МЕЛИЗМЫ.
Видели вы когда-нибудь портреты XVII века? Женщины в широких юбках — фижмах — со множеством оборочек, бантиков и рюшей, в напудренных париках, завитых, украшенных драгоценностями и цветами. Кавалеры в расшитых золотыми узорами камзолах, в сорочках с пышными кружевными жабо, в маленьких панталонах с бантами, в шелковых башмаках и чулках с нарядными
пряжками. Везде украшения, украшения… Букетики цветов, кружева, ленты, драгоценности.
Мода на украшения существовала не только в одежде. Она распространилась и на мастерство. В музыкальных пьесах кроме этого показались украшения — мелизмы.
Греческое слово «melisma» свидетельствует песнь, мелодия. Сначала так нарекли отрывки мелодии, исполняемые на один слог текста — само собой разумеется, в тех случаях, в то время, когда на него приходилась не одна нота. С XVII века это наименование укоренилось в инструментальной музыке за мелодическими оборотами установившейся формы, воображающими собой украшение главной мелодии. Обороты эти не выписываются нотами, а показываются особенными значками. Значительно чаще в музыкальных произведениях видится форшлаг (по-германски Vorschlag — предшествующий удар). Это украшение обозначается маленькой ноткой, написанной перед той, к которой она относится. Довольно часто видятся в музыке различных композиторов трели. Наименование это случилось от итальянского trillare — дребезжать, колебать. Записывается трель буквами tr и волнистой чертой за ними, и свидетельствует это, что ноту, над которой стоит таковой символ, и ее верхнюю соседку нужно как возможно стремительнее менять столько времени, какой длительности указана нота.
Существуют и другие виды мелизмов — группето (обозначается знаком ), морденты (обозначаются значком ) простые, двойные и перечеркнутые ().
МЕЛОДИЯ.
«Душой музыкального произведения» назвал мелодию Дмитрий Дмитриевич Шостакович. Как «самую значительную сторону музыки» выяснил ее Сергей Сергеевич Прокофьев. Мелодия — «основная красота, основное очарование мастерства звуков, без нее все бледно, мертво, не обращая внимания на самые принужденные гармонические сочетания, на все оркестровки и чудеса контрапункта», — писал когда-то превосходный русский музыкант, критик и композитор А. Серов.
Греческое слово «melodia» свидетельствует пение песни и происходит от двух корней — melos (песнь) и ode (пение). В музыкальной науке мелодию определяют как одноголосно выраженную музыкальную идея. Это ясный напев, что может передать разные образы, эмоции, настроения. Имеется музыкальные произведения, в частности народные песни, каковые складываются из одной лишь мелодии.
Имеется и произведения, носящие наименование «Мелодия», к примеру, «Мелодия» С. Рахманинова.
В опытной музыке мелодию дополняют другие компоненты — гармония, инструментовка, разные приемы полифонического письма.
МЕТАЛЛОФОН.
В наши дни существует много инструментов, звук в которых появляется от колебания упругого железного тела. Это треугольники, гонг, колокольчики, тарелки и
другие ударные инструменты. Все они объединяются неспециализированным наименованием — металлофон.
Один из металлофонов, вибрафон, в особенности увлекателен собственной выразительными возможностями и конструкцией. Он напоминает ксилофон, но сделан из железных, а не древесных пластинок. Вдобавок он имеет особые резонаторные трубки с подвижными крышечками. Эти трубки содействуют ослаблению звучания и периодическому усилению, другими словами динамической вибрации, от которой инструмент и был назван.
МЕТРОНОМ.
Если вы занимаетесь музыкой, то быть может, вам приходилось встречать в нотах, в начале музыкального произведения, такие либо подобные указания: М.М. = 72 либо = 108, = 60. Ставятся они конкретно за словесным обозначением темпа и показывают также, притом более совершенно верно, на темп произведения. К примеру, М.М. = 72 свидетельствует, что музыка обязана исполняться со скоростью 72 половинных ноты в 60 секунд. Как отыскать эту скорость? На это отвечают буквы М.М., означающие «метроном Мельцеля».
| МЕТРОНОМ |
Метроном — прибор, снабженный заводным механизмом, что совершенно верно отсчитывает длительности (подобно тому, как, разбирая новую пьесу, вы другой раз вычисляете: раз-и, два-и, три-и), притом в нужной — заданной скорости. Изобрел его венский механик И. Н. Мельцель. Его именем данный прибор и именуют. Выглядит он как древесная пирамидка, с одной стороны которой снимается панель. Под ней закрепленный снизу маятник, с мобильной гирькой, а на пирамидке — шкала с цифрами. В случае, если передвигать гирьку по маятнику, то, в соответствии с тем, против какого именно числа на шкале ее установить, маятник качается стремительнее либо медленнее и щелчками, подобными тиканью часов, отмечает необходимые доли такта, Чем выше гирька, тем медленнее ходит маятник; в случае, если же ее установить в самом нижнем положении, раздастся лихорадочный стук.
МЕЦЦО-СОПРАНО.
Ныряет месяц в тучах.
Пора ложиться дремать.
Дитя качая на руках,
Поет тихо мать:
«Уснули ласточки в далеком прошлом,
И люди дремлют в зданиях.
Луна смотрит в твое окно,
Отыскала тебя впотьмах…»
Это — слова одной из частей оратории Прокофьева «На страже мира» — «Колыбельной», слова которой написал Самуил Яковлевич Маршак.
Мелодия «Колыбельной», певучая и величавая, спокойная и задумчивая, как будто бы плывет над сопровождением. Поет ее прекрасный женский голос — глубокое, грудное, бархатистое меццо-сопрано. По характеру он близок драматическому сопрано, но ниже, насыщеннее его. Возможности меццо-сопрано весьма громадны. Композиторы поручают певицам, владеющим таким голосом, роли сильных, волевых натур. Меццо-сопрано — Кармен в опере Бизе, Любаша в «Царской невесте» Римского-Корсакова, Марина Мнишек в «Борисе Годунове» Мусоргского, Амнерис в «Аиде» Верди, Далила в «Далиле и Самсоне» Сен-Санса.
Прекрасное меццо-сопрано было у известных русских певиц Н, А. Обуховой, М. П. Максаковой, В. А. Давыдовой. Их записи возможно услышать и по сей день — арии из опер, древние русские романсы. Прекрасное меццо-сопрано у Ирины Архиповой, Елены Образцовой, Тамары Синявской.
Диапазон меццо-сопрано от ля малой октавы до ля второй октавы.
МИНОР
— см. Лад.
МНОГОГОЛОСИЕ.
Когда-то весьма в далеком прошлом музыка была одноголосной. Певец пел песню. Музыкант на старом, еще совсем примитивном инструменте выполнял одну мелодию. Но шли века, и музыка усложнялась. Люди осознали, что возможно петь вдвоем либо втроем, и несколько и ту же мелодию, а различные, но сливающиеся воедино, образующие совместно приятные для слуха созвучия. Что играться возможно также не одному, а нескольким музыкантам совместно, причем не одно да и то же, а отличающиеся друг от друга мелодии.
Многоголосие имеет два главных вида. В случае, если ведущее значение имеет лишь один голос, в котором звучит мелодия, а остальные ему сопровождают мы говорим о гомофонии (греческое слово homos — свидетельствует равный, phone — звук) либо гомофонно-гармоническом стиле. В таком стиле написано большая часть произведений XIX современной музыки и века.
Второй вид многоголосия взял широчайшее распространение еще в на данный момент — XVII столетиях и достиг наивысшего расцвета в творчестве Иоганна Себастьяна Баха. Это полифония (греческое poly — довольно много, phone — голос, звук). В полифонических произведениях все голоса ведут собственные независимые и равняется серьёзные, одинаково ясные мелодии.
В полифоническим мастерстве появились собственные особенные жанры. Это полифонические вариации — чакона и пассакалья, это инвенции и
другие пьесы, применяющие прием имитации. Вершина полифонического мастерства — фуга. Об этих жанрах вы имеете возможность прочесть отдельные рассказы.
Оба вида многоголосия — и гомофонию, и полифонию, — в большинстве случаев, возможно встретить в одном и том же произведении.
МОДУЛЯЦИЯ.
От латинского слова «modulatio», что дословно свидетельствует соблюдение меры, размеренность, случилось итальянское modulazione, в переводе — переливы голоса. В теории музыки слово «модуляция» свидетельствует переход из одной тональности в другую. Модуляции смогут быть плавными, постепенными; смогут быть и резкими, неожиданными. В случае, если новая тональность не закрепляется на долгое время, а происходит возвращение к начальной тональности, то такая модуляция именуется отклонением.
Модуляция — крайне важное, броское и красочное ясное средство музыки.
МУЗЫКАЛЬНАЯ ЛИТЕРАТУРА.
Так в большинстве случаев именуют все музыкальные произведения в их совокупности: произведения, созданные разными композиторами в различных государствах. Термин данный употребляется так же, как, к примеру, «особая литература», «справочная литература», «научная литература».
Существует и второе значение этого термина: так именуется предмет, вернее, учебная дисциплина, которую изучают в старших классах музыкальных школ и в музыкальных училищах. В программу музыкальной литературы входят биографии наибольших композиторов, отечественных и зарубежных, знакомство с их творчеством, и подробное изучение отдельных самые известных, самые важных произведений.
МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА.
Вы были на выполнении кантаты С. Прокофьева «Александр Невский». В симфоническом концерте вам довелось услышать испанские увертюры Глинки. Пианист выполнил сонаты Бетховена. А школьный хор к очередному пионерскому празднику разучивает новые песни.
Для чего пригодилось такое перечисление? Тут намерено названы произведения весьма различные — различные и по жанру (о нем вы имели возможность прочесть выше), и по форме.
Что же такое — форма в музыке?
Музыкальной формой принято именовать композицию, другими словами особенности построения музыкального произведения: способы и соотношение развития музыкально-тематического материала, чередование и соотношение тональностей. Само собой разумеется, каждое музыкальное произведение владеет собственными неповторимыми чертами. Но все же в течении нескольких столетий развития европейской музыки сложились определенные закономерности, правила, по которым строятся отдельные типы произведений.
С одной из музыкальных форм вы все, несомненно, отлично привычны. Это куплетная форма, в которой пишутся песни (ей
посвящен рассказ о слове «куплет»). Сходна с ней ведущая от нее собственный происхождение древняя форма рондо. Основаны они на двух (либо — в рондо — нескольких) разных тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении, развитии, а время от времени и столкновении этих довольно часто контрастных, а порою кроме того конфликтных тем.
Распространены в музыкальной практике кроме этого трехчастная и двухчастная формы. Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами так: АВА. Это указывает, что начальный эпизод в конце, по окончании контрастного ему среднего эпизода, повторяется. В данной форме пишутся средние части сонат и симфоний, части сюит, разные инструментальные пьесы, к примеру, многие ноктюрны, мазурки и прелюдии Шопена, песни без слов Мендельсона, романсы зарубежных композиторов и русских.
Двухчастная форма распространена меньше, поскольку имеет оттенок незавершенности, сопоставления, как будто бы бы «без вывода», без итога. Схема ее: АВ.
Существуют и музыкальные формы, основанные на одной лишь теме. Это, в первую очередь, вариации, каковые правильнее возможно назвать темой с вариациями (вариациям также посвящен отдельный рассказ в данной книжке). Помимо этого, на одной теме выстроены многие формы полифонической музыки, такие как фуга, канон, инвенция, пассакалья и чакона. С ними вас знакомят рассказы «полифония», «фуга», «вариации».
Видится в музыке и так называемая свободная форма, другими словами композиция, не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Значительно чаще композиторы обращаются к свободной форме при создании программных произведений (потом вы сможете прочесть, что такое программная музыка), и при произведении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы. Действительно, довольно часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности — самый распространенной из всех музыкальных построений.
Не просто так и самая сложная, верховная из всех музыкальных форм — сонатная — в базе собственной кроме этого трехчастна. Ее главные разделы — экспозиция, реприза и разработка — образуют сложную трехчастность — симметричное и логически завершенное построение. Об этом вы прочтете в рассказе, посвященном сонате.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛУХ
— см. Слух.
МУЗЫКОВЕД.
Вечером по телевидению показывают оперу. До начала спектакля вы слушаете пояснительное слово, в котором рассказывается история создания произведения, раскрываются его особенности.
Вы желаете определить побольше о композиторе, музыка которого вам весьма нравится. В библиотеке вам дают книжку о нем.
Состоялась премьера музыкального спектакля. В журналах и газетах появляются на него рецензии.
В концертном зале, перед вечером симфонической музыки, слушатели берут программы. В них положена аннотация — рассказ о музыке, которую предстоит услышать.
В музыкальных школах, не считая занятий по профессии, другими словами обучения игре на том либо втором инструменте, существуют еще уроки сольфеджио и музыкальной литературы.
В случае, если вам неясно значение какого-либо музыкального термина либо необходимо определить что-либо, относящееся к музыке, вы берете музыкальный словарь либо энциклопедию…
Во всех этих случаях вы сталкиваетесь с одной из сторон деятельности музыковеда.
Эксперты-музыковеды приобретают образование в консерватории, на теоретико-композиторском факультете.
В том месте они приобретают знания по истории русской, советской и зарубежной музыки, гармонии, полифонии, инструментовке, анализу музыкальных форм, приобретают педагогическую, лекторскую практику, обучаются базам редактирования.
Музыковеды — это ученые, авторы изучений о творчестве композиторов, о той либо другой эре в развитии музыкальной культуры, о разных средствах музыкальной ясности.
Музыковеды — это и бессчётные педагоги всех уровней, от докторов наук консерватории, авторов книжек по истории музыки, музыкальной литературе, гармонии и т. д. до учителей музыкальных школ, начальников музыкальных кружков.
Музыковеды трудятся в архивах и в музеях, редактируют книги о музыке и ноты; подготавливают программы концертов и музыкальные радиопередачи; пишут критические статьи. Это весьма занимательная, многосторонняя профессия, требующая громадных и разнообразных знаний, умения разбираться и в музыке прошлого, и в явлениях современности и музыкальных событиях, умения отлично и вольно обладать словом, высказывать собственные мысли устно и в письменной форме и, само собой разумеется, свободного владения роялем, без которого настоящий специалист легко немыслим.
Советское музыковедение знает имена многих выдающихся музыкальных ученых. Имеется среди них кроме того академик Б. Асафьев, у которого в собствености довольно много статей и книг, посвященных русским, советским и зарубежным композиторам.
* Н *
НАРОДНАЯ МУЗЫКА
— см. Фольклор.
НОКТЮРН.
Чёрные, практически тёмные берега. Чёрное зеркало реки. Спокойное небо и на нем огромная зеленоватая луна. Ее отражение чудесной дорожкой пересекает кажущуюся недвижной воду.
тишиной и Удивительным покоем веет от этого красивого полотна. Любой, хоть раз видевший эту картину, ни при каких обстоятельствах ее не забудет. Это А. И. Куинджи, «Ночь на Днепре». А вот еще одна картина:
Негромка украинская ночь.
Прозрачно небо.
Звезды блещут.
Собственной дремоты превозмочь
Не желает воздушное пространство.
Чуть трепещут
Сребристых тополей страницы.
Луна тихо с высоты
Над Белой Церковью сияет
И пышных гетманов сады
И ветхий замок озаряет.
И картину Куинджи, и отрывок из поэмы Пушкина «Полтава» возможно выяснить как собственного рода ноктюрн.
Французское слово «nocturne» как и итальянское «notturno» в буквальном переводе свидетельствует — ночной. Термин данный, употребительный в различных искусствах, показался в музыке XVIII века. Тогда ноктюрнами именовали пьесы, предназначенные для выполнения на открытом воздухе ночью. Многочастные произведения, значительно чаще для нескольких духовых и струнных инструментов, по характеру были близки инструментальным серенадам либо дивертисментам (о них вы также имеете возможность прочесть на страницах данной книжки). Время от времени звучали певческие ноктюрны — одночастные произведения для одного либо нескольких голосов.
В десятнадцатом веке сложился совсем второй ноктюрн: мечтательная, певучая фортепианная пьеса, навеянная образами ночи, ночной тишиной, ночными думами. И картина Куинджи, и стихи Пушкина ассоциируются конкретно с таким ноктюрном.
В первый раз лирические фортепианные ноктюрны начал сочинять пианист и ирландский композитор Джон Филд. Филд продолжительное время жил в РФ. У него брал уроки фортепианной игры юный Глинка. Возможно, исходя из этого и великий русский композитор написал два фортепианных ноктюрна. Второй из них, с заглавием «Разлука», широко известен.
Писали ноктюрны Чайковский, другие композиторы и Шуман. Но больше всего известны ноктюрны Шопена. То мечтательные и поэтичные, то строгие и скорбные, то бурные и страстные, они составляют большую часть творчества этого поэта фортепиано.
НОТА.
Думается, с этим словом все весьма легко: нота — значит… А вот в случае, если задуматься, не так уж легко!
Вы держите в руках мелкую книжечку. На ней написано:
блокнот. Кстати, раньше это слово писали по-второму, вот так:
блок-нот!
Вы включаете радио и слышите: «Нота советского правительства…»
А на улице, на одном из магазинов, видите вывеску: «Ноты». Любой раз значение этого слова иное.
По-латыни nota свидетельствует символ, заметка. Исходя из этого блокнот — книжечка (блок страниц) для заметок. А в музыке нотами именуют символы, при помощи которых изображаются звуки. Разные значки, по-различному расположенные, передают продолжительность и высоту звука (о длительности и высоте вы имеете возможность прочесть в соответствующих рассказах). Долгие ноты — целые — изображаются кружками — , каковые именуются головками. У половинной ноты к головке присоединен штиль — вертикальная палочка: . Четвертная нота выглядит так же, как половинная, лишь головка ее не белая, а тёмная: . Более небольшие длительности обозначаются
присоединением к штилю вязок либо ребер либо флажков, каковые время от времени именуют попросту хвостиками: .
Высота звука определяется положением ноты на нотном стане. Нотный стан либо нотоносец — это пять долгих горизонтальных линеек, на которых и между которыми находятся ноты. Счет
линейкам ведется снизу вверх, вот так: . Они оказывают помощь выяснить, какая из нот обозначает звук более большой, какая более низкий. При взоре на нотный стан вы сходу видите рисунок мелодии. Но чтобы знать совершенно верно, какие конкретно конкретно звуки записаны, необходимо взглянуть, какой ключ стоит в начале нотоносца, какие конкретно около него проставлены символы альтерации. И о ключах и об альтерации вам необходимо прочесть на посвященных этим терминам страничках.
* О *
ОБЕРТОН.
Проделайте таковой опыт: беззвучно надавите клавишу фортепиано, а позже очень сильно ударьте и сходу отпустите клавишу октавой ниже (к примеру, держите до второй октавы, а ударьте до первой). Забранный вами тон скоро угаснет, но еще долго будет слышаться негромкий, но отчетливый звук надавленной вами клавиши. Возможно беззвучно надавить клавишу двумя октавами выше ударяемой. Соответствующий ей звук также будет слышен, не смотря на то, что и менее четко.
Давайте разберемся, по какой причине это происходит. Если вы прочли, что рассказывается о звуке, то уже понимаете, что он появляется в следствии колебания упругого тела, в этом случае — струны. Высота звука зависит от длины струны. Вы ударили, к примеру, до первой октавы. Задрожала, завибрировала струна, послышался звук. Но колеблется струна не только вся полностью. Вибрируют все ее части: добрая половина, третья часть, четверть и без того потом. Так, в один момент слышится несколько звук, а целый многозвучный аккорд. Лишь главный тон, самый низкий, слышен значительно лучше вторых и воспринимается ухом как единственно звучащий.
Остальные же, образованные частями струны и исходя из этого более высокие обертоны (Oberton по-германски «верхний тон»), либо гармонические призвуки, дополняют звучание, воздействуют на уровень качества звука — его тембр.
Все эти гармонические призвуки вместе с главным тоном образуют так называемый натуральный звукоряд либо шкалу обертонов, каковые нумеруются снизу вверх по порядку: первый звук — главной, второй октавой выше, третий — октава + чистая квинта, четвертый — октава + чистая квинта + чистая кварта (другими словами на 2 октавы выше главного). Предстоящие призвуки расположены на более близком расстоянии друг от друга.
Этим свойством — издавать не только главный звук, но и обертоны — время от времени пользуются при игре на струнных инструментах. В случае, если в момент извлечения звука смычком легко прикоснуться пальцем к струне в том месте, где она делится пополам либо на третью, четвертую и т. д. часть, то колебания солидных частей исчезают, и раздастся не главный звук, а более большой (соответственно оставшейся части струны) обертон. На струнных таковой звук именуется семь дней. Он весьма ласковый, несильный, холодноватого тембра. Композиторы пользуются флажолетами струнных как особенной краской.
Ну а произведенный нами опыт с беззвучно надавленной клавишей? В то время, когда мы это сделали, то, не ударяя по струне фортепиано, высвободили ее от глушителя, и она начала колебаться в резонанс половине более долгой — задетой нами струны. Та, в то время, когда клавиша возвратилась на место, остановилась, а колебания верхней струны продолжились. Ее звучание вы и услышали.
ОПЕРА.
Погас свет в зрительном зале. К дирижерскому пульту прошел дирижер. Взмах дирижерской палочки — и в затихший зрительный зал полились звуки увертюры… Начался спектакль, в котором органично сплелись симфоническая музыка и пение, драматическое воздействие, балет, живопись. Началась опера.
Опера — это жанр синтетический, показавшийся на базе содружества разных искусств (итальянское «opera» практически — труд, дело, произведение). Но роль их в опере не равноценна.
Уже пара столетий существует опера. И все это время не утихают споры о том, что в ней основное — музыка либо текст. Был в истории оперы период, в то время, когда ее автором считался поэт, либреттист, а композитор — лицо второстепенное — должен был во всем подчиняться не только либреттисту, но и певцам, каковые потребовали выигрышных арий в удобных для себя местах.
Настало время и для второй крайности — в то время, когда на содержание прекратили обращать внимание. Опера превратилась в собственного рода концерт в костюмах. Но это вправду крайности. В XVIII и XIX столетиях совсем сформировался жанр оперы в таком виде, как мы его знаем и любим на данный момент.
Основное в опере — все-таки музыка. Для нее мы идем в театр оперы и балета. Вот храбрец поет арию. Сейчас на сцене ничего занимательного не происходит: воздействие останавливается. Все слушают музыку. Музыку, которая говорит о мыслях героя и сокровенных чувствах, раскрывает нам его темперамент. Ария — очень важная составная часть оперы, исходя из этого ей посвящается отдельный рассказ. Ее, равно как и другие сольные оперные номера — ариозо, каватину, балладу — возможно сравнить с монологом в драматической пьесе.
А сейчас давайте отыщем в памяти, что поет Иван Сусанин перед началом собственной известной арии «Ты взойдешь, моя заря». «Чуют правду! Смерть близка, мне не страшна она. Собственный долг выполнил я. Прими мой прах, мать почва». Звучат медленные, маленькие, поделённые остановками фразы. Это пение, но весьма похожее на декламацию. Именуется оно речитатив (латинское слово recitare — просматривать вслух, звучно произносить). Значение речитатива в опере весьма громадно. Он — главный «инструмент» развития действия. Так как тогда, в то время, когда звучат законченные музыкальные номера-арии, ансамбли — воздействие в большинстве случаев останавливается. Оперы без речитатива не существует. Но бывают оперы, абсолютно выстроенные на речитативе.
Громадную роль в опере играется хор. С его помощью композиторы изображают картины народной судьбе. А в операх М. П. Мусоргского «Борис Хованщина» и «Годунов» народ, по определению самого композитора, есть кроме того главным действующим лицом.