К XV веку появилось целое семейство смычковых инструментов — виол. Их делали громадными и мелкими. В зависимости от размера они назывались дискантовая, альтовая, теноровая, громадная басовая, контрабасовая. И звук у них, в соответствии с заглавием каждой, был более высоким либо более низким. Отличался
он нежностью, мягким матовым тембром, но не сильный силой. Все виолы имели корпус с светло выраженной «талией» и с покатыми «плечами». Исполнители держали их вертикально, на коленях либо между коленями.
Как опытный инструмент скрипка появилась в конце XV века. После этого мастера различных государств усовершенствовали ее. Новый инструмент владел и более сильным звуком, и существенно громадными виртуозными возможностями. И скоро скрипка вытеснила собственных предшественниц. Уже в конце XVI столетия показались прекрасные скрипки так называемой кремонской школы. Скрипичные мастера семейств Амати, Гварнери и Страдивари, жившие в итальянском городе Кремоне и много поколений передававшие секреты собственного мастерства, славились собственными инструментами. И поныне их скрипки непревзойденны по качеству. Ценятся они весьма дорого, и у нас охраняются как национальное достояние. Большая часть их находится в национальной коллекции. Играются на них лучшие скрипачи СССР.
Современные смычковые — скрипка и показавшиеся за нею альт, контрабас и виолончель — похожи и отличаются, по большей части, размерами. Их форма случилась от формы виолы, но более красива и продуманна. Главное отличие — круглые «плечи». Только у контрабаса они покатые: в противном случае исполнителю тяжело нагибаться к струнам.
На протяжении игры различные из смычковых держат по-различному: альт и скрипку — горизонтально, положив на плечо и придерживая подбородком. контрабас и Виолончель — вертикально, упирая в пол остроконечной железной подставкой.
По тембру все струнные смычковые весьма похожи, не смотря на то, что, само собой разумеется, не однообразны. Высота же звуков зависит от длины и величины корпуса натянутых на него струн, вот тут-то инструменты резко отличаются один от другого. Самая низкая нота у великана-контрабаса на две с лишним октавы ниже самой низкой ноты скрипки (соответственно — соль и ми контроктавы малой октавы).
Струнные смычковые инструменты играются ключевую роль в оркестре. Это самая ответственная и самая большая несколько инструментов.
А струнные щипковые выступают как сольные, в основном любительские инструменты. Особенно это относится к гитаре, одному из самых распространенных, самых любимых инструментов в мире.
Такие струнные щипковые, как домры, балалайки, гусли входят в состав оркестра народных инструментов. По аналогии с семейством смычковых, балалайки и домры также стали изготовлять различных размеров. на данный момент в оркестрах звучат балалайки пикколо, прима, секунда, альт, контрабас и бас, несколько домр кроме этого от пикколо до контрабаса. В отдельных случаях, в то время, когда этого требует художественный план, композиторы вводят щипковые инструменты и в оркестр.
СУРДИНА.
Возможно, вам приходилось слышать выражение — «под сурдинку»? Так говорят о чем-то, что сделано негромко, незаметно,
так, дабы не обратить на себя внимания. Откуда же пошло это выражение? Из музыки, от принадлежностей музыкального инструментария.
Французское слово sourdine происходит от итальянского sordino, sordo — глухой, глухо звучащий. Сурдина — это особое приспособление, которым в музыкальных инструментах приглушают звучность, легко изменяют тембр.
| СУРДИНЫ ДЛЯ СТРУННОГО (СЛЕВА) И ДУХОВОГО ИНСТРУМЕНТОВ |
У различных инструментов сурдины бывают различной формы и сделаны из различных материалов. Сурдина для струнных инструментов — это древесный, пластмассовый либо железный гребешок, что надевается на подставку. В то время, когда используется сурдина, звук делается не сильный, а тембр — не таким насыщенным, как в большинстве случаев — как будто бы призрачным.
У духовых инструментов — трубы, валторны и тромбона — сурдина делается из дерева, алюминия либо папье-маше в форме груши. Она вставляется в раструб.
У литавр роль сурдины делает кусок ткани, что кладут сверху, а у фортепиано — модератор: приспособление, опускающее на струны полосу сукна либо узкого войлока.
В то время, когда требуется играться с сурдиной, композитор помечает в нотах: con sordino; в случае, если сурдину необходимо убрать, пишется: senza sordino.
СЮИТА.
Первые в истории музыки многочастные инструментальные произведения появились из танцев. Первоначально под такую музыку только танцевали, позже стали ее слушать. Оказалось, что и это может доставить громадное наслаждение — не меньшее, чем танцы. Довольно много столетий тому назад показались произведения, складывающиеся из нескольких частей-танцев, но предназначенные для слушания. Эти произведения нарекли сюитами — от французского слова suite — последовательность.
Сначала в сюиту вошли четыре разнохарактерных танца: аллеманда, куранта, жига и сарабанда (о них вы имеете возможность прочесть потом в рассказе, что именуется «Танец»). Танцы эти соединялись по принципу контраста между медленными, плавными и живыми-прыжковыми. Со временем они стали дополняться вторыми — красивым церемонным менуэтом, жеманным небыстрым гавотом, шутливым бурре либо живым, радостным провансальским ригодоном. Время от времени оказались в сюите и нетанцевальные части -прелюдия, ария, каприччио, рондо.
Подобные сюиты вошли в историю музыки называющиеся «древние». Их создавали многие композиторы XVIII века. Самый известны сюиты И. С. Баха и Г. Ф. Генделя. Сюиты сочинялись для клавесина, для лютни, бывшей любимым домашним инструментом тех лет, порою — и для оркестра.
В более позднее время, начиная с первой половины XIX века, громадное распространение взяли сюиты другого типа — такие, как, к примеру, «Карнавал» Р. Шумана — цикл разнохарактерных фортепианных миниатюр. Либо «Картины с выставки» М. П. Мусоргского — собрание пьес, передающих впечатления композитора от выставки живописца В. А. Гартмана. А оркестровые сюиты П. И. Чайковского не связаны с конкретной программой, но и не танцевальны. Это характеристические пьесы с чертами узкой стилизации.
Довольно часто составляются сюиты из музыки к театральным пьесам, фильмам, из балетных либо оперных отрывков. Таковы, к примеру, сюиты «Пер Гюнт» Э. Грига, «Овод» Д. Д. Шостаковича, «Золушка» С. С. Прокофьева. Возможно, вы и сами имеете возможность дополнить данный список легко.
* Т *
ТАКТ.
Если вы взглянуть в ноты — каждые, безразлично для одного инструмента либо нескольких, ноты романса либо оркестровую партитуру, то заметите, что нотные строки в них поделены вертикальными линиями. Эти линии, именуемые тактовой чертой, отделяют один такт от другого. А тактом (от латинского tactus — прикосновение, действие) исходя из этого именуется тот отрезок музыки, что заключен между двумя тактовыми чертами.
Ставятся эти черты не как попало, а в совсем определенном порядке: перед сильной, ударной долей мелодии. Так, число долей в такте не редкость разным в зависимости от его размера. Так, размер вальса — три четверти. Это значит, что ударной в нем есть каждая первая из трех четвертных долей. И в каждом такте вальса будет ровно по три четверти. А полька, к примеру, — двудольный танец. И в каждом такте польки содержится по две четверти. Размер такта изображается числом, в котором верхняя цифра показывает количество, а нижняя — продолжительность долей, составляющих такт. К примеру, 2/4, 3/8 и т. д. Размер такта выставляется в начале произведения.
Такты смогут быть не только несложными, с одним ударением, но и сложными. Сложные такты, с размером 6/8, 1/9, 4/4 и другими подобными имеют пара ударений — одно основное, самое сильное, на первой доле такта; второе либо другие, в случае, если их больше, на довольно сильных долях в такта.
Такты бывают симметричные (на 2/4, 6/8 и т. п.) и несимметричные, причем не только на 3/4 либо 3/8, но и такие, как 5/4, 5/8 и другие. Бывают совсем редкостные, неповторимые размеры такта. Так, в финале оперы «Снегурочка» Римский-Корсаков написал хор славления всевышнего Ярилы-Солнца с размером такта в 11/4.
ТАМТАМ.
Случалось ли вам слушать Шестую симфонию либо «Франческу да Римини» Чайковского? А «Шехеразаду» Римского-Корсакова? В случае, если случалось, то вы, возможно, обратили внимание на один совсем необыкновенный звук: непонятный, загадочный, гулкий, как словно бы неизвестной высоты, но сливающийся с музыкой, в которую он ворвался нежданно и зловеще. Это тамтам, инструмент из группы ударных, пришедший к нам из Азии.
| ТАМТАМ (РАЗНОВИДНОСТЬ ГОНГА) |
Тамтам — литой железный диск. Он делается из особых сплавов, а играются на нем, ударяя колотушкой с войлочной головкой. Тамтам относится к инструментам с неизвестной высотой звука, но владеет необычной свойством: его звучание в любой момент как будто бы «подстраивается» к той тональности, в которой играются сейчас другие инструменты. Партия тамтама записывается в виде различных длительностей на одной линейке — «нитке».
В оркестр тамтам пришел сравнительно не так давно. Употребляется он для особенных звуковых эффектов. Его звучность возможно самой разнообразной — от загадочного, еле слышного пианиссимо до замечательного, подчас ужасного и сурового фортиссимо. Не просто так в операх тамтам часто используют для имитации погребального звона. Звучанием тамтама сопровождаются сцены волшебства, заклинаний, молений жрецов.
С целью создания броского колористического звучания он был введен и в те произведения, с которых начался отечественный рассказ.
ТАНЕЦ.
С старейших времен и до наших дней люди танцуют — праздниках либо легко в свободные вечера, непринужденно радуясь либо участвуя в праздничной церемонии.
Довольно много столетий тому назад танцы возможно было заметить и на сельских площадях, где крестьяне кружились под немудреные звуки самодельных инструментов, и в пышных дворцовых залах, в сопровождении труб, виол либо оркестра…
Большая часть этих танцев в той либо другой форме дожили до отечественного времени.
Само собой разумеется, они весьма отличаются один от другого в зависимости от страны, в которой появились, от времени, в то время, когда это случилось, от того, кто и где их выполнял.
Вот, к примеру, аллеманда. Важная, неторопливая. Как бытовой и придворный танец аллеманда показалась в Англии, Нидерландах и Франции в середине XVI века.
Появилась аллеманда из приветственных сигналов трубачей, звучавших при встрече высоких особ — князей, герцогств и владетелей графств. Под эти приветственные звуки двигалось праздничное шествие придворных, исходя из этого размер танца четный, как у марша — 2/4, реже 4/4.
Войдя в сюиту как часть цикла, аллеманда стала богато созданной праздничной пьесой вступительного характера.
Французский танец куранта (courante — бегущая, текущая) — также придворного происхождения, но достаточно стремительный — об этом говорит наименование, — отличающийся сложными, затейливыми фигурами и соответствующей им затейливой музыкой. Размер его трехдольный — 3/4 либо 3/8.
Совсем другая сарабанда. Это медленный, величественный танец, появившийся в Испании. Он появился из праздничного похоронного обряда, в то время, когда все находившиеся на погребении в молчании ступали около гроба. Происхождение танца отразилось в его заглавии — sacra banda — по-испански — святое шествие. Сказался в сарабанде и гордый испанский темперамент. Не обращая внимания на то, что сарабанда — танец-шествие, размер ее 3/4 в трехдольном перемещении эргономичнее было выполнять бессчётные повороты на протяжении спуска по крутой винтовой лестнице в усыпальницу, шествовать около гроба.
Жига (от англ. jig) древний танец британских моряков — стремительный, радостный, непринужденный. Музыка его как будто бы льется безостановочно, ровными триолями, как радостный ручеек, в размере 3, 6, 9 либо 12 восьмых.
Аллеманда, куранта, жига и сарабанда — конкретно в таком порядке, составляя контрастные сочетания, они вошли в древнюю сюиту.
Прекрасны и весьма хороши по характеру танцы различных народов. Необычны норвежские крестьянские танцы. Парный «прыжковый танец» — спрингар — отличается острым чеканным ритмом, яркой мелодией в трехдольном размере. Юноши, радостно подпрыгивая и притопывая, ведут девушек, каковые ступают небольшими шажками.
Халлинг — сольный танец, в котором парень показывает силу, ловкость и проворство. Халлинг изобилует высокими прыжками,
вращениями, перевертываниями в воздухе. Музыка его, в размере 2/4 носит мужественно-жёсткий темперамент, имеет упругий и прихотливый ритм.
Гангар — неторопливый, спокойный. Его танцуют парами, празднично и чинно, в размере 6/8.
Эти три самых распространенных в Норвегии танца обширно применял в собственном творчестве Григ, что сам наслаждался ими, записывал их мелодии.
Множество прекрасных танцев с покон веков бытует в Польше. Самый известны из них — полонез, мазурка и краковяк.
Самый старый танец — полонез. В старину он именовался «великим», либо «пешим» танцем. Нынешнее его наименование — французское, в переводе значит «польский». Сперва его танцевали лишь приятели. Полонезом — парадным шествием, в котором все гости должны были учавствовать, раскрывались придворные балы. Под гордое, величественное звучание музыки — необычного праздничного марша, но в трехдольном размере, долгой вереницей выступали танцующие, изящно приседая в конце каждого такта музыки. Не считая придворного, существовал и крестьянский полонез — более спокойный и плавный.
Любимый польский танец — мазурка, правильнее — мазур (от заглавия одной из областей Польши — Мазовии). Народная мазурка — с радостной, задорной, быстро акцентированной мелодией в трехдольном размере — это парный танец, в котором нет заблаговременно придуманных фигур. Ее импровизируют партнеры. В шляхетской, дворянской мазурке больше блеска, ее па как бы символизируют военную удаль. В десятнадцатом веке мазурка стала одним из самых популярных бальных танцев.
Краковяк (краковяки — обитатели города Кракова) — отличается четким двудольным размером. Сначала его танцевали также лишь приятели: парами, в которых один изображал рыцаря, а второй — его оруженосца. После этого краковяк стали танцевать в паре с женщиной:
она — медлено, изящно, он — с резкими притоптываниями.
Все эти танцы представлены в творчестве великого сына Польши — Шопена. Особенно довольно часто обращался он к мазурке. Среди шопеновских мазурок — и блестящие бальные, и задорные крестьянские, и опоэтизированные ласковые мелодии — настоящие миниатюрные поэмы. Думается, сама душа Польши воплотилась в этих красивых творениях.
Народный танец полька по созвучию многим также думается польским. Но он в собственности второму славянскому народу — чехам. Наименование его происходит от слова pulka — добрая половина, поскольку танцевали его небольшими шажками. Это живой непринужденный танец в двудольном размере, что танцуют парами по кругу. Полька в большинстве случаев открывала деревенский бал, и, заслыша ее радостные звуки, никто не имел возможности устоять на месте. Данный самый любимый из чешских народных танцев завоевал широкую популярность во всей Европе. Он звучит в опере чешского композитора Бедржиха Сметаны «Реализованная невеста».
Занимательна будущее австрийского танца лендлера. Данный парный круговой трехдольный танец был назван от австрийской области Ландль. В начале XIX века он перекочевал из сел в города Германии и Австрии. Его стали танцевать на балах, и понемногу он превратился во всем узнаваемый и всеми любимый вальс.
Вот уже целых два века живет и пользуется неизменной любовью данный увлекательный, всегда юный танец. В Германии, Австрии, Чехии, крестьяне на торжественных вечеринках радостно кружились парами (из этого происхождение заглавия танца — германское walzen — прокатывать). Понемногу перемещение становилось все более плавным, кругообразным, из него уходили обычные для народного танца подпрыгивания и притопывания. Рождался вальс. На рубеже XVIII и XIX века вальс скоро распространился по многим государствам.
В первую очередь новый танец завоевал Вену. Иоганна композиторов Штрауса и Вальсы Лайнера-отца звучали в австрийской столице везде. Вальсы же Иоганна Штрауса-сына покорили не только Вену, но и всю землю. Поэтичные, красивые, с обаятельными, вольно льющимися мелодиями, они пленяли слух. Они пронизывали и оперетты И. Штрауса. Начиная с «Приглашения к танцу» Вебера, вальс попал в сферу симфонической музыки. В РФ прекрасным примером для того чтобы симфонического вальса стал «Вальс-фантазия» Глинки. Зазвучали в концертах и фортепианные вальсы — «Мефисто-вальс» Страницы, «Сентиментальный вальс» Чайковского и, само собой разумеется, бессчётные вальсы Шопена — то блестящие, бравурные, то ласковые и мечтательные. В наши дни любимы вальсы Прокофьева — из балета «оперы» и Золушка «Война и мир», вальс Хачатуряна из музыки к драме Лермонтова «Маскарад».
В Венгерских рапсодиях Страницы, в Венгерских танцах Брамса звучат характерные мелодические обороты, острые ритмические фигуры. Они сходу узнаются на слух. Это — интонации венгерского танца чардаша. Наименование его происходит от слова csarda — трактир, корчма. Венгерские корчмы с покон веков являлись своеобразными клубами, где планировали окрестные обитатели. В них либо на площадке перед ними и танцевали. Чардаш появился не в крестьянской либо придворной среде, а в городе, в начале XIX века. Танец данный двудольный и складывается из двух частей — достаточно медленного патетического лашшана и стремительной, огневой фришки.
В южной части Италии расположился город Таранто. Он дал имя национальному итальянскому танцу тарантелле. Тарантелла распространена по всему югу Италии. Особенно обожают ее в Неаполе и в Сицилии. Стремительный, радостный танец, исполняемый под кастаньеты и гитару, ярко высказывает темперамент темпераментных южан. Размер тарантеллы 3/8 либо 6/8 с характерным, постоянным и непринужденным перемещением триолями. Весёлый ритм тарантеллы привлек к себе многих композиторов различных государств — Страницы, Шопена, Чайковского, Прокофьева. Верди применял тарантеллу в опере «Сицилийская вечерня», а Россини создал в ее ритме песню, пользующуюся громадной популярностью.
Яркостью, темпераментом отличается и южнофранцузский — провансальский — танец фарандола. Его участники пляшут в хороводе, держась за руки, то скоро, то медлительно, в сопровождении тамбуринов и пронзительно звучащей флейточки-галубе. Красивую фарандолу написал Бизе к драме А. Доде «Арлезианка».
Весьма колоритны танцы Испании. Хота — любимый танец Арагона, Каталонии, Валенсии, — отличается стремительным темпом, трехдольным размером, острым ритмом, что подчеркивается щелканьем кастаньет. Это парный танец, исполняемый под гитару либо мандолину. Своеобразием хоты пленился Глинка на протяжении собственного путешествия по Испании. Его оркестровая «Арагонская хота» написана на настоящую народную тему.
Второй распространенный испанский танец — болеро (от испанского voler — летать), более умеренный, с ритмом, напоминающим ритм полонеза. Сопровождается он также кастаньетами и гитарой, но довольно часто и пением. Русские композиторы — Глинка, Чайковский, Даргомыжский, Кюи — писали романсы в ритме болеро. Пожалуй, самое известное произведение в этом ритме — «Болеро» французского композитора Мориса Равеля.
Русские весёлые — пляски и танцы, и плавные хороводы, довольно часто сопровождаются пением. Среди танцев народов нашей страны известны украинские Казачок и «гопак» (существуют кроме этого «Казачки» кубанский и терский) — двудольный танец импровизационного характера, в котором партнер повторяет перемещение собственной подруги;
молдавский танец и задорная молдавеняска-хоровод коло, узнаваемый кроме этого на Украине. Коло танцуют и за пределами нашей страны — в Болгарии, Румынии, Югославии, Польше.
Громадную известность среди отечественных народных танцев купил грузинский танец лезгинка. Стремительная, темпераментная, требующая ловкости и большой силы от парня, изящества и плавности от девушки, она есть их необычным соревнованием. Музыка лезгинки — с четким ритмом, двудольным энергичными движениями и размером — привлекла к себе внимание многих композиторов. Так, Глинка в «Людмиле и Руслане», Рубинштейн в «Демоне» поместили бурную, полную страсти и стихийной силы лезгинку.
ТАРЕЛКИ.
Не правда ли, необычное наименование для музыкального инструмента? И однако тарелки — плоские железные пластинки — один из самых распространенных ударных инструментов. В оркестре тарелки показались еще в семнадцатом веке, а известны были на довольно много столетий раньше. На тарелках игрались еще 4 тысячи лет тому назад в Старом Египте.
В оркестре не редкость в большинстве случаев пара тарелок (исходя из этого, как и литавры, именуются они во множественном числе). Звук извлекается ударом тарелок приятель о приятеля, ударом по тарелке палочкой от барабана либо литавр, ударом железной метелкой. Звук тарелок, в зависимости от силы и способа удара, может оказаться самый всевозможный, от звонкого, пронзительного, до еле слышного шопота.
Значительно чаще удары тарелок совпадают со звучанием громадного барабана. Не редкость, что одна из тарелок привинчивается к барабану, и играется на обоих инструментах один исполнитель.
Тарелки — инструмент с неизвестной высотой звука. Партия их записывается на одной линейке — «нитке».
ТЕМА.
Что свидетельствует это слово, несомненно, знают все. Ежедневно в школе вы слышите: «Тема сегодняшнего урока…», «К следующему разу повторите темы…», «Тема произведения, которое вы станете писать…» А в музыке термин «тема» получает иное значение. В том месте вы имеете возможность услышать: «Тема неприязни…», «Основная тема первой части…», «Главная тема финала…», «Тема Снегурочки…». Какой же суть вкладывается в данный музыкальный термин?
Тема в музыке — это как бы храбрец музыкального произведения, его действующее лицо. С позиций музыкальной «разработке» это построение, талантливое явиться основанием для разработки. Исходя из этого композиторы стремятся придумывать темы, броские по характеру, ясные, запоминающиеся. Имеется такие формы музыкальных произведений, в которых употребляется всего одна тема. Так происходит, к примеру, в фуге (в случае, если это простая, а не двойная либо тройная фуга — в тех, соответственно, две и три темы), в вариациях. Чаще их пара. К примеру, в первой части сонаты либо симфонии имеется основная и побочная партии, в каждой из которой действует независимая тема, а время от времени и не одна (об этом возможно прочесть в рассказе о сонате). В следующих частях симфонии также по нескольку тем — по две либо три, а в финале возможно значительно больше.
Темы смогут быть протяженными, развернутыми, смогут быть и краткими, лаконичными. Но по крайней мере тема должна быть довольно законченным построением. Время от времени понятие темы сходится с понятием лейтмотива. Конкретно в этом смысле говорится в большинстве случаев: «Тема любви…», «Тема борьбы за счастье», «Тема кольца нибелунга» (о лейтмотивах вы, возможно, уже просматривали на предшествующих страницах).
ТЕМБР.
Ярко, весело, звонко поют трубы. У валторны звук мягкий и сочный. Голос фагота — густой, грубоватый, время от времени чуть ворчливый. Скрипка, королева оркестра, звучит ласково и трепетно. А флейта заливается, как будто бы красивая певчая птица.
Звучание различных инструментов не перепутаешь, в случае, если кроме того они будут играться одну и ту же мелодию. Чем же отличаются их голоса?
Выясняется — тембром. Слово это случилось от французского timbre, что свидетельствует колокольчик, и метка, другими словами отличительный символ. Иначе говоря тембр и есть отличительным знаком каждого инструмента. Это своеобразная окраска звука, темперамент, свойственный тому либо иному инструменту либо голосу. Зависит тембр от многих обстоятельств: от материала, из которого сделан инструмент, от того, каким методом извлекается звук, от размеров инструмента (небольшая скрипка и огромный контрабас сделаны из одного материала, и звук на них извлекается одинаково; но отличие имеется не только в высоте, но и в тембре звучания).
Роль тембра в музыке весьма громадна. Композиторы учитывают ее при инструментовке собственных произведений. Вы имеете возможность прочесть об этом в рассказе об инструментовке.
ТЕМП.
Это слово не испытывает недостаток в особых объяснениях. Мы довольно часто слышим его, используем сами и замечательно знаем, что свидетельствует оно скорость перемещения. Наряду с этим, как ни необычно, происходит данный термин не от слова скорость, а от слова время (латинское tempus). В музыке от скорости перемещения зависят и темперамент, настроение пьесы. Вы имели возможность прочесть об этом, например, в строках, посвященных словам Адажио, Аллегро, Анданте. Главные музыкальные темпы — это:
- ларго (largo) — весьма медлительно и обширно;
- адажио (adagio) — медлительно, тихо;
- анданте (andante) — в темпе спокойного шага;
- аллегро (allegro) — скоро;
- престо (presto) — весьма скоро.
Не считая этих, главных темпов, довольно часто видятся такие их разновидности, как
- модерато (moderato) — умеренно, сдержанно;
- аллегретто (allegretto) — достаточно оживленно;
- виваче (vivace) — быстро.
Время от времени к этим определениям темпа прибавляют такие итальянские слова, как molto либо assai — весьма; poco — мало; non troppo — не через чур.
ТЕМПЕРАЦИЯ.
Латинское слово «temperatio» свидетельствует соразмерность, верное соотношение. Грамотным от него музыкальным термином именуют выравнивание соотношений между ступенями звукоряда, установление совокупности звуков разной высоты.
на данный момент все рояли имеют равномерную темперацию: любая октава делится в них на 12 равных промежутков — полутонов. Так было не всегда. В Средние века существовали другие музыкальные совокупности. В них темперация была неравномерной, и в paзных тональностях одинаковые по заглавиям промежутки звучали по-различному.
Конкретно исходя из этого, в то время, когда был изобретен предок современных роялей и пианино, первый инструмент с равномерной темперацией, восхищенный им Иоганн Себастьян Бах сочинил собственный известный цикл фуг и прелюдий во всех двадцати четырех тональностях и назвал его «Отлично темперированный клавир».
ТЕНОР.
Энрико Карузо. Леонид Витальевич Собинов. Марио Ланца. Марио дель Монако. Это имена известных во всем мире певцов, владевших редким по красоте голосом — голосом, что
покоряет всех своим ярким, звонким и одновременно с этим мягким тембром. Голос данный — тенор.
Тенорам композиторы всех государств чаще всего поручали партии главных героев в собственных операх. Фауст в одноименной опере Гуно и Хозе в опере Бизе «Кармен», Ленский в «Евгении Онегине» и Герман в «даме пик» Чайковского, Гвидон в «Сказке о царе Салтане» и Герцог в «Риголетто» Верди. Какие конкретно они различные! Разнообразны и разновидности этого, пожалуй, самого популярного голоса в мире.
Самый большой из теноров — тенор-альтино. Для этого голоса Римский-Корсаков написал партию Звездочета в опере «Золотой петушок». Тенор-альтино употребляется композиторами достаточно редко.
Лирический тенор, как и лирическое сопрано, — самый популярный. Он использован практически в каждой хорошей и современной опере. Лирический тенор — это Фауст и Ленский, это Альфред в «Травиате» Верди и Надир в «Искателях жемчуга» Бизе, Пьер Безухов в «мире и Войне» Прокофьева и еще огромное множество других ролей.
Таковой голос был у великого русского певца Леонида Витальевича Собинова. Записи его выполнения соло и в дуэте с Антониной Васильевной Неждановой возможно слышать и по сей день. Возможно, понимаете вы мастерство таких красивых советских певцов, как Сергей Яковлевич Иван и Лемешев Семенович Козловский.
Драматический тенор видится среди оперных партий существенно реже, но конкретно для него созданы прекрасные роли в операх, каковые по праву считаются одними из лучших в мире:
Хозе, Отелло в одноименной опере Верди, Герман. Все это — образы людей с противоречивыми характерами, будущее которых складывается трагически. Возможно, вы слышали хотя бы одну из арий этих храбрецов и имеете возможность представить, как она напряженнее, драматичнее, чем каждая ария лирического тенора.
Драматические тенора — уже упоминавшийся выше Марио дель Монако, советские певцы Георгий Михайлович Нэлепп, Нодар Андгуладзе, Зураб Анджапаридзе.
ТЕРЦЕТ
— см. Трио, Ансамбль.