Живопись — чуть ли не старейшее из искусств, известных человечеству. До наших дней дошли людей и изображения животных, сделанные еще в эру первобытного общества на стенах пещер. С того времени прошли многие тысячелетия, но живопись постоянно оставалась неизменным спутником духовной судьбы человека.
Как и любая независимая ветвь художественного творчества, живопись владеет целым рядом неповторимых, уникальных изюминок. Она повествует о жизни, изображает людей, природу, окружающий человека предметный мир при помощи зрительных образов. Эти образы создаются при помощи целой совокупности приемов, созданных и усовершенствованных многими поколениями живописцев.
В отличие от писателя живописец не имеет возможности продемонстрировать цепь событий, происходящих в различных местах, в различное время. Воплощая сюжет, художник ограничен пределами одного неизменной обстановки и момента. Исходя из этого он пытается найти и рельефно изобразить такую обстановку, в которой самый полно раскрываются характеры действующих лиц, их взаимоотношения и всякий смысл запечатленного события судьбы.
Достижению данной цели оказывает помощь художественный «язык» живописи. Так как создатель картин говорит, показывая. И в этом «зрительном повествовании» и цвет — броский либо тусклый, спокойный либо пламенеющий, и перемещение линий — стремительное, напряженное либо плавное, замедленное, и многие, многие другие особенности красивого ответа владеют громадной ясностью, содействуют раскрытию эмоций, мыслей, настроений. Исходя из этого содержание сюжетной картины полностью постигает только тот зритель, что не только «прочтёт» в ней определенный сюжет, но и «встретится» с ним красивое воплощение.
В случае, если рисунок образовывает, так сообщить, «скелет» красивого произведения, то его «кровью и плотью» есть цвет. Живописцы применяют цвет не только для передачи настоящей окраски предметов, но и для определенного настроения, для целей поэтического воплощения плана. Вспомните «Девочку с персиками» В. А. Серова: неспециализированный голубовато-серый тон, оттененный розовым пятном платья девочки, пронизывающие любой миллиметр полотна отражения и оттенки трепетного, мерцающего света — так как это и формирует то чувство свежести, чистоты, юной эйфории судьбы, которое образовывает самую сущность картины. А какую огромную смысловую роль имеют бессчётные оттенки красного цвета, видящиеся в полотне И. Е. Репина «Иван Грозный и сын его Иван»! Как ответственны контрасты тёмного и белого в ужасном повествовании «Сударыни Морозовой» В. И. Сурикова!
Существует два главных типа живописи: монументальная и станковая. Монументальная живопись в любой момент связана с архитектурой — это роспись стен и потолков строений, украшение их изображениями из других материалов и мозаики, орнаменты — и витражи картины из цветных стекол — и т. д. Станковая картина не связана с определенным строением и возможно перенесена из одного помещения в второе.
У станковой живописи имеется довольно много разновидностей («жанров»). Наиболее значимые из них — сюжетная живопись, портрет, натюрморт и пейзаж.
В произведениях тех либо иных жанров живописи как бы выделяются отдельные стороны бытия. Так, портрет воспроизводит вид человека. В иных случаях храбрецы портретных полотен показываются в привычной для них житейской обстановке, в других мы не встречаем никаких дополнительных подробностей. Основная и, само собой разумеется, самая тяжёлая задача живописца в этом жанре — раскрыть внутренний мир изображаемого человека, главные черты его характера, психологию.
Картины, показывающие жизнь природы, относятся к жанру пейзажа. Настоящие мастера пейзажного мастерства не только изображают природу той либо другой страны, края, места, но и передают в собственных картинах восприятие природы человеком, в любой момент связанное с переживаниями и мировоззрением живописца. К примеру, в известной «Владимирке» И. Левитана, изображающей дорогу, по которой в царские времена гнали на каторгу заключённых, как будто бы бы сгустились эмоции тяжести, скорби, глубокой печали. В пейзаже А. Саврасова «Грачн прилетели» зрелище ранней русской весны внушает чувство яркой надежды, легкой, задумчивой грусти. Проникновенные образы национальной природы мы встречаем и у советских живописцев. Так, мастера советского пейзажа: Г. Нисский, М. Сарьян, С. Герасимов и ряд других — превосходно продемонстрировали в собственных картинах те трансформации, каковые внесли годы советского строя в вид родной почвы, прославили красоту и поэзию новых времен.
Французское слово «натюрморт» свидетельствует в буквальном переводе «мертвая природа». Мастера этого жанра изображают фрукты, овощи, цветы, предметы обстановки и т. д. Но подлинно художественные натюрморты отнюдь не являются слепым повторением форм, линий, красок натуры. Так же как и в пейзажах, в натюрмортах необычно отражаются представления современников о красивом, их настроения и думы.
В советском отделе Третьяковской галереи вы имеете возможность заметить натюрморты И. Машкова «Снедь столичная. Хлеба», «Снедь столичная. Мясо, дичь». Живописец тут изображает продукты-богатыри, могучие, сочные, дразнящие в собственном праздничном великолепии. Он прославил обилие даров почвы, ее плодородие, щедрость. Таковой темперамент изображения красноречиво говорит о жизнеутверждающем взоре на мир, полнокровном оптимизме, столь характерном советским людям. Сходные черты, не смотря на то, что и всегда по-своему выраженные, мы можем отыскать в превосходных натюрмортах советских живописцев П. Кончаловского, М. Сарьяна и других. Все жанры живописи — любой по-своему — смогут выразить чувства и большие идеи, волнующие людей.
Как же технически пишется станковая картина? В прошлые века ее основанием служило дерево разных пород, а на Востоке, помимо этого, — шелк, пергамент, рисовая бумага и т. д. Современные мастера, в большинстве случаев, применяют в качестве основания холст. Чтобы холст имел возможность впитать и удержать в себе краску, его сперва проклеивают, а позже грунтуют плотным слоем особой смеси. На загрунтованный холст красками наносится изображение. Современные живописцы значительно чаще применяют масляные краски. Существенно реже картины создаются при помощи водяных красок — акварели. Еще реже употребляется пастель — сухие спрессованные краски, смешанные с жидким клеем.
Перед тем как взяться за кисть, живописец в большинстве случаев рисует в предварительных набросках (эскизах), а после этого и на полотне виды действующих лиц, формы предметов, контуры обстановки, намечает построение (композицию) будущей картины.
После этого он пристально изучает в шепетильно выполненных работах с натуры (этюдах) необходимые ему позы и психотерапевтические состояния людей, предметы обстановки, свет и лишь затем переходит к созданию самой картины.
В конечном итоге мысль живописца приобретает полное и законченное выражение, и его картина делается для нас источником громадной эйфории познания судьбы.